Brad Pitt –en la plenitud de su madurez profesional, con todas las virtudes que eso implica- es un Beane resentido consigo mismo, un perdedor en un juego en donde los resultados cuentan. Una mala decisión de juventud lo impulsa a remar contra la corriente y hacer milagros en donde no hay esperanza. Pitt exhibe su vulnerabilidad y férrea voluntad al encarnar a Beane, cuyo personaje se beneficia a su vez del carisma natural del actor mientras que la historia del manager le permite desplegar dotes adquiridas tras 20 años de carrera.

Cuando Beane se enfrenta a las mismas triquiñuelas y limitaciones al inicio de otra temporada, finalmente haya a Peter Brand –un amante del béisbol que piensa con el cerebro y no con el estómago, contrario a la vieja guardia de fans y cazatalentos. Jonah Hill en el rol que lo redefine como profesional- para proveerle de la teoría y los lineamientos para el cambio que él anhela lograr en el deporte por el que se sacrificó.

El éxito del filme recae en dos elementos opuestos que se complementan con fluida y estricta armonía: Aaron Sorkin, el oscarizado guionista de The Social Network, firma un guión trepidante y ágil lleno de elementos aglomerados y sucediendo al mismo tiempo que convierte a la película en una máquina que engulle al espectador a medida que Bennett Miller, director de Capote, saca lo mejor del reparto con un acercamiento intimista, sosegado y distante que ya exhibió en su anterior filme y le valió a Philip Seymour Hoffman, también parte de Moneyball, el reconocimiento esquivo al interpretar al autor de In Cold Blood.

Lo que consigue Moneyball al final es el reconocimiento al valor del esfuerzo y la voluntad frente a la adversidad, la incomprensión y el escarnio; todo ello reacciones propias en contra de los visionarios y pioneros. Lo de Billy Beane es inspiracional y sirve de colofón al Sueño Americano en tiempos de desempleo y resignación.

Lo bueno: Brad Pitt ha alcanzado el pináculo de su carrera al convertirse en un actor sólido, creíble, carismático y empático. Virtudes esenciales para roles trascendentes.

Lo malo: el tono nostálgico y, en ocasiones, apacible puede malinterpretarse como fracaso a la gesta lograda por Beane.

De lo que puedo recordar del verano que pasó es que todo fue caluroso y, por lo consiguiente, sudoroso y resbaladizo. Nunca atravesé mayor racha de one night stands que los primeros cuatro meses de éste año. Es posible que por ello no recuerde con propiedad a quienes merecería, pero igual tengo un par de personas que permanecen en mi subconsciente como mucho más que un nombre en una noche. La única persona de aquel periodo, llamémoslo Lost Summer, a quien quisiera volver a ver está en Buenos Aires. Esperaré hasta que regrese.

Para la mitad del año, la temporada otoño-invierno, el ritmo desciende un poco. Me reencuentro y revaloro una amistad que debió crecer muchísimo antes que entonces. Caigo en las redes del encanto oriental selvático hasta que se disipa ese estupor. Para agosto conozco a alguien que me sacudió y pellizcó por varias semanas.

Mi affaire de agosto tuvo sus cuotas de drama -inherente a su ya de por sí muy complicado y abrupto background- por lo que toda esa mini relación puede resumirse en un puñado de buenos días, algunas cuantas muy buenas noches y otras tantos para olvidar.

Desde entonces hasta el día de hoy todo ha fluido como un aeroplano en piloto automático. Hacia octubre entró alguien nuevo con quien tengo planes a futuro, una figura bastante sólida que merece un espacio y completa atención. Una última sorpresa a fin de año fue el regreso de una grata figura del pasado con quien tengo asuntos pendientes como darle un ¿apropiado final? o, mejor aún, un segundo debut a lo que pudo prometer mucho más.

Pues, en conclusión, el 2011 trajo una serie de rostros nuevos en mi vida los cuales, vergonzosa y lamentablemente, no pude asimilar cada uno por igual y la mayoría se fue al desagüe de mi olvido selectivo o mala memoria incidental. Aguardo con esperanzas que el próximo año sea superior a éste y encuentre a alguien definitivo.

MOMENTO AUDIOVISUAL:

La premisa de la historia se presenta simple y enigmática en su naturaleza misma: el doctor Robert Legrand es un reputado, amoral y metódico cirujano que decide experimentar en una piel a prueba de quemaduras aunque bajo procedimientos poco éticos. Para su causa tiene bajo cautiverio a una especie de muñeca de ensayo a quien viste, alimenta y amolda bajo su imagen y capricho y que responde al nombre de Vera –frágil y nerviosa Elena Anaya en su madurez como actriz.

El descenso a la psique de las obsesiones de Legrand viene a través de flashbacks, sueños y recuerdos de un accidente, una enferma desfigurada, una niña al borde del colapso, una violación orgiástica y una venganza enfermiza hacia un joven en parte inocente, en parte culpable y en parte desafortunado. En medio de éste collage se esboza el lienzo de todas las fijaciones usuales en el manchego: muerte, traición, aberración sexual, soledad, demencia, identidades torcidas. El melodrama, un género que desarrolla sin ningún esfuerzo y con excelencia, está tamizado bajo el horror de la belleza aséptica de una producción impecable.

Desde los objetos en la sala de operaciones hasta el agreste escenario desértico de la mansión en donde los personajes se encierran a sus demonios todo resalta por su pulcritud, color y lujo; es quizá ello lo que relucen las grietas de sus defectos y los vicios para lo que se prestan. Lo que en la superficie es una loa al progreso científico y la voluntad del hombre sobre las limitaciones de su misma condición humana degenera en un ardid grotesco. A lo que barnizados con un soundtrack inquieto y vibrante, tanto robótico como emotivo, se ajusta cual guante quirúrgico a las necesidades y circunstancias de los personajes perdidos en sus laberintos.

Éste relato de mentiras, supervivencia y secretos tarda en echar vuelo, envolver en su maraña y capturar al espectador (sin volverlo a soltar más hasta su final anticlimático) sino hasta la aparición de Zeca –Roberto Álamo como la culminación de lo más enfermizo en la mente kistch de Almodóvar- que enciende la chispa y el interés en los objetivos de un cuasi Frankenstein moderno como Legrand en su experimento, ajuste de cuentas, redención, etc.

Pedro Almodóvar se anota un filme atípico que resalta en si abultada carrera como el más ecléctico, audaz e insolente. De no ser por sutiles bajones de ritmo y la incompleta performance de Banderas –quien se beneficia más de su mentor que él del actor, quien brinda su mejor interpretación desde que dejó España- La Piel Que Habito es probablemente, su obra quiebre a una nueva era.

Lo bueno: Marisa Paredes absorta en una escena íntima frente al fuego de sus recuerdos y remordimientos demuestra que no es una chica Almodóvar, es la madona.

Lo malo: en su paciencioso afán por tejer su telaraña pierde la dirección y el pulso en ocasiones claves.

A los diez años de la muerte de Harrison, y ya más de treinta del asesinato a John Lennon, la relevancia e impacto que todavía genera The Beatles está intacta y el interés alrededor de las personalidades que la conformaban es en absoluto reveladoras. Sólo una empresa de semejante envergadura como la de desenterrar, exponer y reinterpretar la vida y obra de un músico popular a lo largo de una carrera de 40 años podía correr a cargo de un realizador tan meticuloso y fanático como Martin Scorsese.

Las credenciales del director hacia el rock, sin contar soundtracks de sus filmes (Gimme Shelter, Layla, Mannish Boy, House Of The Rising Sun, etc.) habla claro: desde sus pininos en la postproducción de Woodstock, pasando por The Last Waltz (considerado con unanimidad el mejor filme/concierto de todos los tiempos), hasta su penúltima incursión con el irregular Shine A Light de los inmortales Stones. Es entonces que éste cuasi fan le echa mano a la vida de un rockero exitoso que busca un grial, un significado más profundo a todo lo que ya ha ganado. Una especie de cruzada introspectiva en las antípodas del decadente showbiz.

Living In The Material World no sólo no se parece a Imagine: John Lennon por la diferencia de personalidades entre John y George sino también por la intención de la película, su leitmotiv y el producto final. Mientras que lo de Lennon es una remembranza del hombre detrás del mito y sus hazañas pacifistas, Living… es el viaje formativo de un hombre incómodo con la fama y su viaje contracorriente, es en muchos casos, la antítesis de Imagine, el otro lado de la misma moneda.

Sin embargo, entre ambos rockumentales la similitud está en que sus protagonistas buscaban paz y realización aunque con resultados distintos –John en su doméstico lustro criando a Sean y George en la última década de su vida como un jardinero zen. Scorsese apunta a repetir su fórmula lograda con No Direction Home, el génesis del Bob Dylan legendario, y con éste filme lo consigue.

A base de testimonios orales de las fuentes de primera mano (Olivia Harrison, Eric Clapton, Klaus Voorman, Phil Spector, Eric Idle y Terry Gilliam de los Monty Python, Ringo y Paul, y un largo etcétera), entrevistas de archivo y unas inéditas epístolas a mamá Harrison, se repasa las múltiples facetas del beatle George: el músico, el esposo, el padre, el productor, el amigo, el filántropo, el aficionado a las carreras, el krishna, el humano.

Al final de éste nutrido documental (casi tres horas dividido en 2 partes) cualquier mortal cae en la cuenta que dentro de The Beatles la figura que menos brilló fue quien en su interior albergaba la luz que más intensa.

Lo bueno: una observación de George Harrison a la casaca de cuero de Paul McCartney es la apoteosis del humor irónico del compositor de Taxman.

Lo malo: el largo aliento del filme obliga paciencia, dedicación y lo limita a básicamente beatlemaniacos o fanáticos del rock clásico.

Cheers Darlin’ (2001) – Damien Rice

El hipersensible trovador irlandés Damien Rice tiene el indiscutible talento de calar en lo más profundo de las emociones humanas y trabajar desde allí la composición de sus canciones, la gran mayoría desgarradoras y descorazonadas. A inicio de siglo Rice obtiene su oportunidad dentro del circuito mainstream después de haber tocado en pubs de las Islas Británicas; temiendo que la industria discográfica diluyera su arte, lo que sucedió fue todo lo contrario, el rango de alcance de la música de Rice creció y las posibilidades que aumenten los suicidas en el mundo.

La frase: “Salud, cariño. Me diste tres cigarros para fumarme las lágrimas. Y muero cuando mencionas su nombre. Y mentí, debí haberte besado cuando corríamos en la lluvia”

Pictures Of You (1989) – The Cure

La obra maestra definitiva del rock gótico más melódico y emocional coronó la discografía irregular de The Cure, una banda en el vaivén entre la leyenda y la extinción. Robert Smith firmó una sentida remembranza de un amor que quedó encapsulado en el recuerdo físico el cual nos bofetea en el presente para trasladarnos a tiempos que eran mejores. Sin embargo, lo romántico que puede resultar volver a vivir también se convierte en una pesadilla cuando los malos recuerdos salen a flote y las razones por la que rompimos en un primer lugar.

La frase: “He estado viendo tanto éstas fotos tuyas que ya casi creo que son reales. He estado viviendo por tanto tiempo mis fotos de ti que ya casi creo que son todo lo que puedo sentir”

Maggie May (1970) – Rod Stewart

Cuando Rod The Mod recién empezaba y era una rubia promesa y no el viejo verde de hoy que rockea cual dinosaurio siempre al borde de la extinción compuso la que viene a ser su tema definitivo: una canción de desamor y despecho por la mujer que le rompió el corazón. Si bien el tema no es para nada original aunque sí biográfico, el giro está en que la susodicha era alguien mucho mayor que él, una señora que lo utilizó para sus deseos y necesidades de cama. Pero como el buen Rod no es ningún tonto, después de pasarla bien (y un poco mal) rompe con ella y se consigue una banda para rockear; el resto es historia.

La frase: “Oh, Maggie, deseo nunca volver a ver tu cara. Hiciste de mí un idiota de primer clare, pero fui tan ciego como un tonto puede serlo. Robaste mi corazón pero te amo de todos modos”

Try Sleeping With A Broken Heart (2009) – Alicia Keys

La aterciopelada primera voz negra del R&B estadounidense, Alicia Keys, se abandona al más puro sentimiento con un tema que contiene todos los elementos para convertirse en un clásico de la década que pasó. Si bien The Element Of Freedom es un álbum irregular éste tema de Keys es extraordinario y una de sus composiciones más sólidas, honestas y menos manufacturadas con el fin de gustar y vender. A medida que pasan los años ésta artista cada vez se convierte en una heredera de Diana Ross o Dusty Springfield y sabe equilibrar arte con música comercial.

La frase: “Incluso si estuvieses a millones de millas de distancia todavía podría sentirte en mi cama, cerca de mí, tocándome, tocándome, sintiéndome. E incluso en el fondo del mar todavía podría escucharte en mi cabeza contándome, tocándome, sintiéndome”

Blue Monday (1983) – New Order

La ominosa voz de Bernard Sumner -por lo general adolescente, carismática y expresiva- por momentos se asemeja a la de un Ian Curtis más relajado y que sirve para clavar el ataúd de un amor que no resultó y que fue sino funesto para uno de los amantes al convertirlo en poco menos que un títere sin voluntad alimentado de las migajas del afecto y el amor más vicioso y maligno.

La frase: “Aquellos que vinieron antes de mí vivieron sus vocaciones desde el principio hasta su conclusión. No regresarán más y todavía me resulta tan difícil decir lo que debo decir, pero estoy seguro que me dirás cómo debería sentirme hoy”

I’d Rather Go Blind (1968) – Etta James

La gran dama de la canción, monumento del soul y patrimonio cultural de la música del mundo y demás adjetivos que sobran y faltan, Etta James, en plena era de la psicodelia y el flower-power exuda la inherente honestidad de una mujer emancipada y consecuente con su realidad, su corazón y sus sueños. Como una genuina artista no sólo cantó uno de sus canciones más emblemáticas sino también lo compuso y, de ese modo, le entregó a futuras generaciones una de las canciones más tristes y hermosas jamás logradas.

La frase: “Algo me dijo que esto se acabó cuando te vi con ella hablando. Algo muy profundo en mí dijo ‘llora chica’, cuando te vi y esa mujer irse juntos”

Sexed Up (2002) – Robbie Williams

Mucho en Robbie Williams es pura fachada, pero de cuando en cuando tiene chispazos de sinceridad y quitándose la máscara de hooligan pop se descubre un hombre tan sensible y vulnerable como cualquier otro. Ese es el caso de algunas de sus mejores canciones -por ejemplo la confesionaria Strong-, pero no ésta. Sexed Up es la más venenosa y vilipendiosa ‘vete al demonio’ que se registre en el pop del siglo actual, por lo que Williams se anotó un gol a costa de una de sus amantes ocasiones que de seguro lo irritó. Mucho en Williams es fachada, pero otro tanto no.

La frase: “Vete al demonio, no me agradó tu gusto. De cualquier forma te elegí y eso se ha ido al tacho. Es sábado, saldré y encontraré a otra como tú”

Don’t Dream, It’s Over (1986) – Crowded House

A medidados de los lúdicos años 80′s se podía percibir que el calado emocional de la década iba en descenso a medida que el materialismo propio de la sociedad de consumo capitalista comandada desde Wall St. por los yuppies y la moda de las camisas rosadas a tono con Don Johnson y su Miami Vice invadía la mente del hombre común, la música no era ajena a éste fenómeno. No obstante, y felizmente, una novel y discreta banda se encargó de darle un poco de sustancia al new wave más plástico con el que es un entrañable clásico de esos controversiales años.

La frase: “Ahora estoy caminando de nuevo al ritmo del tambor y estoy contando los pasos hacia puerta de tu corazón. Sólo sombras por delante apenas aclarando el techo, consigo conocer el sentimiento de libertad y emancipación”

You Were The Last High (2003) – The Dandy Warhols

Dentro de la nueva camada de bandas norteamericanas que nacieron con el nuevo siglo -de las cuales The Strokes y The White Stripes resultaron ser lo mejor de esa raza de promesas rotas, has beens y wannabes- los caprichosos Warhols desplegaron una carrera un tanto irregular, pero siempre ambiciosa y con intención de trascender más allá de sus limitaciones creativas que compensan con entusiasmo y difuerzo. Ésta es una de las obtusas composiciones de veinteañeros que no necesitan darle mucho significado a algo sencillo o complican lo que es básico para hacerlo significativo, tú decide cuál.

La frase: “Estoy solo pero soy adorado por cientos de miles más de lo que dije cuando fuiste la última. Y he conocido el amor como una puta de por lo menos diez mil más de lo que juré cuando fuiste la última”

Torn (1997) – Natalie Imbruglia

En ocasiones lo peor que puede sucederle a una canción bien escrita y bien producida es ser un éxito atronador sonando hasta el hartazgo en las radios para conseguir finalmente el desprecio unánime. Pero antes de caer en el olvido y la injusta ignominia Torn es una de esas piezas pop que definen una década y son parte de una generación, Imbruglia supo aprovechar las herramientas que tuvo a la mano para pasar a ser una joven atormentada por el desencanto del amor y la decepción que le produce su pareja y así pasar a la memoria colectiva y a los conteos de MTV.

La frase: “Pues, tú no podrías ser el hombre que adoraba. Tú no pareces saber, parece importarte para qué sirve tu corazón, pero no lo conozco más”

Baby Come Back (1977) – Player

A finales de los 70′s sólo habían dos caminos por seguir en la música: el punk que estaba en pleno apogeo, particularmente en Inglaterra, o el disco que se abría paso en los clubes neoyorkinos. Pero contra todo pronóstico y desde la Costa Oeste una discreta banda con su álbum debut continuó el camino del soft-rock también transitado por Bread y que alcanzaría su zenit con Christopher Cross. La sosegada sensibilidad de Baby Come Back es un susurro melancólico y de fuerte carga emocional en la convulsa y confusa postrimerías de la década.

La frase: “Todo el día usando una máscara de falsa chulería, tratando de mantener una sonrisa que esconde una lágrima, pero tan pronto el sol se oculta vuelve ese sentimiento vacío otra vez. Cómo deseo por Dios que estuvieses aquí”

In The End (2000) – Linkin Park

El experimento más exitoso dentro del subgénero del nü metal fue Hybrid Theory que catapultó una plétora de nuevos músicos coqueteando y mutando con el heavy metal, el rap, el rock alternativo, el grunge y la electrónica industrial. Tal fue el impacto de éste álbum y el fenómeno que se siguió que incluso veteranos como Metallica tuvo que replantearse su sonido para mantener su vigencia -con resultados negastos, recordar St. Anger- o Korn, que pese a haber estar antes en el circuito, después que Linkin Park apareciese no volvió a rockear con la misma fuerza de antes.

La frase: “A pesar de la forma que te burlabas de mí actuando como si fuera de tu propiedad, recordando todas las veces que peleabas conmigo. Estoy sorprendido que llegara tan lejos. Las cosas no son como eran antes, ya no me reconocerías ahora”

Where Have All The Cowboys Gone? (1996) – Paula Cole

En los años en que Alanis Morissette se convirtió en la voz de una generación de furiosas mujeres despechadas y descorazonadas, Paula Cole compone lo que vendría a ser una coda a la obra iniciada por la canadiense. Con una base y tufillo country-western la veinteañera cantautora encapsuló la frustración, desencanto y desesperación de la promesa rota del matrimonio con unos versos cargados de imaginería muy americana y punzante realismo. Pasarán décadas y siglos y la canción seguirá siendo igual de relevante como entonces.

La frase: “Me iré a lavar los platos mientras vas por otra cerveza ¿En dónde está mi John Wayne? ¿En dónde está mi hijo de la pradera? ¿En dónde está mi final feliz? ¿A dónde se han ido todos los vaqueros?”

King For A Day (1999) – Jamiroquai

Cuando Jay Kay, el único miembro constante del colectivo Jamiroquai, terminó su relación con la modelo inglesa Denise van Outen a finales de los 90′s, la separación provocó un revuelo mediático que sumió a la pareja en líos y entredichos a través de portadas de tabloides y talk shows. Kay, siempre tan dado al glamour y ajeno a los escándalos a diferencia de otros ingleses como los Gallagher, despreció la actitud tomada por su ex y se echó a restregarle su mala leche en un tema virulento. Propicio cuando una de las partes empieza una guerra de rumores post-ruptura.

La frase: “Ya no hay amor para que se pierda entre nosotros, supongo que es porque el daño que hiciste es tan grave. Por eso pongo mi cabeza a pensar en lo que podría haber sido, pero tú dejaste en cambio lo que dejaste fueron pedazos de un sueño roto”

Someone Like You (2010) – Adele

Adele debe de ser la promesa más importante del soul británico después de varias figuras -llámense Joss Stone, Amy Winehouse, Duffy- que han tratado de tomar la posta de Sade y, en especial, la de Dusty Springfield. Con una carrera cortísima, pero rutilante -dos álbumes y las mejores y más unánimes críticas- Adele se ha ganado un espacio en donde ella reina como una voz de honestidad emocional, una fuerza de la naturaleza que vive con plenitud y canta sobre lo que su corazón late.

La frase: “Olvídalo, encontraré alguien como tú. Te deseo nada sino lo mejor para ti también. No me olvides, te lo suplico. Recordaré lo que dijiste ‘A veces el amor dura, pero otras en cambio duele’”

Say Hello, Wave Goodbye (1998) – David Gray

El folkie David Gray se presentó al mundo gracias a su hit Babylon en el recomendable White Ladder a finales de ls 90′s, dentro de sus otras curiosas pequeñas piezas de pop acústico, Gray versiona un viejo tema de los sintéticos Soft Cell para calzarlo a su medida y relatarnos una agria despedida de una pareja que no resultó. A veces es bueno despedirse y mandar al diablo con un la suavidad de un rasgueo de guitarra y la apacibilidad de un cantautor inglés.

La frase: “Quita tus manos de mí, no te pertenezco, ves. Y echa un vistazo a mi rostro por última vez. Nunca te conocí, nunca me conociste. Di hola, adiós. Di hola y despídete”

Total Eclipse Of The Heart (1983) – Bonnie Tyler

Sin contar su excéntrico, cuasi erótico y kitsch vídeoclip, la canción cumbre de Bonnie Tyler reunía todo el dramatismo que una canción de desamor y ruptura necesita para convertirse en un himno épico que define una época en una vida. El ronco y agreste registro de Tyler se alza cual flama viva y arrasa con cualquier recuerdo, sentimiento o lastre pendiente. Es una bomba que debe ser escuchada a alto volumen.

La frase: “Hubo una vez en que estaba enamorada, pero ahora me desmorono. Nada puedo hacer, un eclipse total del corazón. Hubo una vez había luz en mi vida, pero ahora hay amor en la oscuridad”

Where’d You Go (2005) – Fort Minor

El lado emotivo y menos pendenciero del hip-hop vino en la forma del proyecto paralelo de la otra mitad de Linkin Park, Mike Shinoda. Grabado con la intención de demostrar sus buenas artes en el altamente competitivo circuito rap estadounidense, Shinoda despliega una visión del género distinto al mainstream; ese es el caso de éste tema que se lanzó en un momento sensible en norteamérica como la guerra en Irak. Lo que bien puede interpretarse como el epílogo de una relación por circunstancias como el trabajo, el servicio militar, la apatía, el egoísmo o cualquier otra razón que lleva un amor morir dentro de cuatro paredes en absoluta soledad y vacío.

La frase: “Me encontré a mí mismo esperando al lado del teléfono porque tu voz me ayuda a no sentirme tan solo, pero me siento como un idiota, trabajando todo mi día alrededor de una llamada, pero cuando respondo no tengo mucho qué decir. Por eso quiero que sepas que es un poco jodido que esté aquí estancado esperando”

Red Red Wine (1983) – UB40

El reggae inglés había sido tratado siempre de formas muy extravagantes -desde el Obladi Oblada de The Beatles; D’yer Mak’er de Led Zeppelin; o Bankrobber de The Clash- hasta que un grupo de blancos desempleados decidieron tomar una vieja canción de Neil Diamond y cantarla para ahogar sus penas de amor. El tema les abrió las puertas en una era en la que Bob Marley ya era una leyenda y el hip-hop se alzaba como la más excitante novedad de las calles. Diamond compuso un tema universal que se aplica a cualquier hombre a quien han burlado y lastimado, los UB40 se encargaron en hacerlo simplemente más popular.

La frase: “Había jurado que con el tiempo los pensamientos sobre ti dejarían mi cabeza. Estaba equivocado, ahora veo que sólo una cosa me hace olvidar. Rojo, rojo vino”

Cry Me A River (2002) – Justin Timberlake

Lo que empezó como un cuento de hadas terminó cual pesadilla mediática con odios, rivalidades, encono y resentimiento entre dos de las figuras pop más queridas por los adolescentes a principios de siglo, la todavía ñoña Britney Spears y el consentido de todos, Justin Timberlake. La supuesta infidelidad de Spears destrozó la inocencia de Timberlake al punto de dedicarle una canción y vídeo los suficientemente explícitos para reivindicar su nombre, su hombría y honra. Lejos o no de haberlo conseguido, lo que sí logró fue firmar un tema que encapsula el despecho y la rabia de una traición.

La frase: “No tienes que decir lo que hiciste, ya lo sé, lo descubrí de él. Ahora no hay ninguna oportunidad para ti y para mí, nunca la habrá ¿Y no te hace sentir triste al respecto?”

Pale Blue Eyes (1969) – The Velvet Underground

El apacible canto de Lou Reed es el susurro, la canción de cuna de un amor imposible que sólo le espera morir o descansar en el sueño platónico. Lejos de la furia de los primeros discos, ésta obra de arte rock se ha vuelto, más de cincuenta años después, en un clásico de la música gracias a una seguidilla de versos más hermosos jamás compuestos. La belleza inherente en Pale Blues Eyes reside también en lo poético que resulta ser una relación puramente idílica.

La frase: “Fue bueno lo que hicimos ayer y lo haría una vez más de nuevo. El hecho que estés casada sólo prueba que eres mi mejor amiga, pero es verdaderamente un pecado. Contemplar tus pálidos ojos azules”

You Give Love A Bad Name (1986) – Bon Jovi

La escena glam metal de los 80′s tuvo canciones y bandas que hoy resultan insoportables e impresentables. Lejos de haberse dormido en sus laureles y tras baches y discos irregulares, Bon Jovi ha sobrevivido a los embates de los tiempos y los coletazos de extinción que sus contemporáneos sufrieron tras la aparición del grunge. Si bien la banda de hoy deja de hacer clásicos y vive con baterías prestadas, sus clásicos de su época más joven son lo que pasarán a la posteridad.

La frase: “Una sonrisa de ángel es lo que vendes, me prometiste el cuelo y me hiciste pasar un infierno. Las cadenas del amor me tienen atado cuando la pasión es una prisión de la que no puedes liberarte”

Ordinary World (1993) – Duran Duran

Producto del extenuante ritmo que la banda atravesó a mediados de los 80′s en su pleno apogeo, Duran Duran perdió el paso y sufrió una serie de cambios drásticos. Después de dividirse a la mitad en dos proyectos paralelos -Arcadia y The Power Station con Robert Palmer en la voz- se reunieron sólo tres de los cinco (Simon LeBon, Nick Rhodes y John Taylor) en 1986 para no volver a ser los mismos ni vender igual. Cuando todo parecía perdido y el grupo se convertiría en un souvenir de la década que pasó, los ingleses lanzaron un álbum de resurrección epónimo. De pronto el futuro parecía promisorio y volvían a ser una de las agrupaciones más cotizadas de inicios de los 90′s ¿gracias a qué? Pues a Ordinary World, el lamento de un hombre dolido por la ausencia de amor.

La frase: “Pasión o coincidencia te motivó a decir ‘el orgullo nos separará’. Pues ahora el orgullo se ha ido por la ventana, corriendo a través del tejado. Me dejó en el vacío de mi corazón ¿Qué me está sucediendo?”

Broken Wings (1985) – Mr. Mister

Escondida en los archivos de los recuerdos ochenteros está ésta canción de los americanos Mr. Mister (pésimo nombre para una banda, pero similar a otros como Johnny Goes To Hollywood o Twisted Sisters) la cual aprovechó de su calmada intensidad y atmósfera para envolver una o dos idea sencillas: hay que aprender a vivir por nuestra cuenta tras la ruptura. Éste ignoto grupo bien pudo haber desaparecido de los anaqueles, pero su obra perdurará para recordarnos que todavía podemos echar vuelo siempre en cuando tengamos vida por delante.

La frase: “Toma éstas alas rotas y aprende a volar de nuevo. Aprende a vivir tan libre y cuando escuches las voces cantar el libro del amor se abrirá y nos dejará entrar. Toma éstas alas rotas”

El Amor Después Del Amor (1992) – Fito Páez

No en vano éste es el disco más vendido en Argentina y una pieza fundamental del rock latinoaméricano, lo que resultó ser la obra maestra del rosarino fue consecuencia de años de enseñanza al lado de su mentor Charly García y de una carrera consistente y ambiciosa en seguir creciendo. Finalmente, para 1992 Fito Páez logra cuajar en perfecto equilibrio sus dotes compositivas como letrista y, en ocasiones cronista, así como músico pop. Difícil de interpretar por sus versos intrincados e imaginería que sólo Páez ha de entender, ésta canción es no sólo un monumento sino un pilar en el cual sostenernos después de haberlo perdido todo.

La frase: “El amor después del amor tal vez se parezca a éste rayo de sol y ahora que busqué y ahora que encontré el perfume que lleva el dolor. En la esencia de las almas, en la ausencia del dolor ahora sé que ya no puedo vivir sin tu amor”

Otro punto a tener en cuenta es la diferencia de background que determina los aspectos de la persona en sus valores, visión de la vida y sus ambiciones individuales. No es ninguna coincidencia que los desacuerdos entre una pareja tenga su raíz en cómo fueron criados y los principios inculcados. Sin embargo, no llega a ser un determinante para el fracaso de una relación; dos personas bien pueden conciliar sus diferencias y enriquecerse mutuamente de una visión fresca y distinta aunque no la compartan. A mayor la perspectiva de la vida más plena son las experiencias de ésta.

Como cualquier empresa ésta sociedad de dos amantes bien puede resultar exitosa cuando los objetivos son mutuos y compartidos en todas sus dimensiones. Cabe decir que si la pareja es irremediablemente distinta entre sí no dejan de tener en claro sus prioridades y las metas trazadas para con su relación, los baches en el camino producto de sus personalidades/background no van a ser lo suficiente para dañar los sentimientos sino fortalecerlos.

Enamorarse de alguien opuesto es una idea alocada y aventurera, pero requiere de trabajo, paciencia, consecuencia y voluntad. El amor puede ser divertido con alguien tan distinto, pero va a ser trabajoso mantener el equilibrio y la paz con tanto jaleo ¿cuál es la recompensa por semejante esfuerzo? No será una relación para nada aburrido, eso sí.

MOMENTO AUDIOVISUAL:

El recorrido se inicia rememorando fragmentos de la juventud de Werner durante la pujante Alemania de los 50’s con la familia Herzog dándole hospedaje a un pubescente aspirante a actor con personalidad indomable e imposible. A partir de allí el director analiza desde su punto de vista los arrebatos de Kinski así como narra los recovecos de su relación tanto desde la intimidad como la imagen proyectada a la prensa.

Cuando Herzog rememora el primer filme al alimón con Kinski, el épico Aguirre, The Wrath Of God, la forma en la que se dirige a Kinski es con evidente tirria que explica con elocuencia lo azaroso, por decirlo menos, que resultó la filmación en la inclemente selva peruana, un escenario que ejerce fascinación absoluta en Herzog y en donde volvería a reencontrarse con Kinski algunos años después en la igual de apocalíptica producción de Fitzcarraldo.

El perfil del hombre que fue Kinski no sólo es cincelado por Herzog –quien, cual reloj de péndulo, por momentos lo recuerda como un entrañable amigo, camarada, aliado y compinche; hasta calificarlo de maniático ególatra, no sin antes confesar que cada cana nueva el director la bautiza Kinski- sino además por Eva Mattes (co-protagonista en Woyzeck) y Claudia Cardinale (Fitzcarraldo) quienes no se contienen y despliegan elogios a un hombre que consideraban extremadamente detallista, gentil y reservado.

Se entiende desde el principio que abarcar la magnitud de Klaus Kinski es imposible puesto que su naturaleza impetuosa y arrolladora era única. Herzog en una de las escenas más logradas de Cobra Verde, el último filme juntos, describe a su actor como un cometa que se desvanece cuya vida vivió en intensidad y que ahora yace agotado en una playa esperando que las olas se lleven su cuerpo a descansar.

Lo bueno: la escena final con Kinski jugando con una mariposa es una bellísima elegía de indescriptible de amor por su amigo.

Lo malo: en ocasiones los juicios de Herzog se sobre imponen al incluir las rabietas del actor para desdibujarlo.

De ese modo ¿cómo es posible, es acaso viable, que una persona mantenga su fidelidad a su pareja cuando su cuerpo le exige ir a la cama con alguien más? Quizá la respuesta parta por una reinterpretación del concepto, una persona bien podría afirmar que si bien tuvo relaciones sexuales con otro(a) sus emociones no se han trastocado y pese a la transgresión de la carne mente y alma están puestas en su significant other.

Aquel argumento podría pecar de cínico y egoísta, aunque valdría la pena ahondar en ello puesto que el sexo per se no tiene mayor profundidad espiritual que el mismo acto puesto en práctica tras una serie de circunstancias previas especiales e íntimas (quizá una cita romántica, una velada con alto calado emocional, un reencuentro después de un tiempo, un sinfín de situaciones) Es entonces que si bien el cuerpo está en un sitio, el espíritu está en otro. Lo corpóreo y lo emocional posiblemente pueden dividirse en dos sitios aparte sin conflicto alguno.

Sin embargo, lejos de sublimar el acto de tener sexo con extraños esto no deja de ser una clase de infidelidad para cualquier persona pensante y si no hay una fluida comunicación entre ambas partes lo que a uno le puede parecerle normal al otro no y así romperse una relación por culpa de un problema que debe de ser tratado con cuidado y seriedad.

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Dividido en dos, el filme inicia con el infructuoso camino de Justine al altar en busca de la felicidad conyugal junto a un hombre quien intenta entenderla, calar en su duda e insatisfacción, pero que, hacia el final de la noche, entiende el silencio alrededor de su esposa y, como buen caballero que es, le da el espacio para que ordene sus pensamientos.

Justine –Kirsten Dunst en la madurez plena como actriz, aplicando todo lo aprendido junto a Sofia Coppola- se deja hundir en una depresión que la aísla de quienes la rodean y, de a pocos, va curtiéndola, fortaleciéndola de una especie de paradójica apatía y confort hacia el final inminente. Quien recibe a Justine en sus horas más oscuras es su hermana Claire –Charlotte Gainsbourg en un papel que la redime tras el intenso y demandante Antichrist- que se echa al hombro su cuidado hasta que, a medida que la historia avanza así como la inminencia del fin, los papeles se invierten. Es entonces que Justine se convierte en un sostén, algo cínico y tragicómico, para Claire que se ahoga en la angustia de no poder concebir la muerte para Leo, su hijo de 5 años, y la de su familia.

De ése modo Melancholia es vista a través de los ojos de dos mujeres encerradas en sus sentimientos y expuestas a la ley universal, al cosmos implacable que no guarda misericordia y se lleva a justos y culpables sin consentimiento, como si una fuerza más grande que lo divino te negara el aire que respiras de buenas a primeras sin razón alguna.

Los mejores pasajes de Melancholia se dan al inicio, tanto desde la secuencia onírica y de altísima carga lírica que explica, desde el arranque, el final del mundo colisionando con otro planeta; y la de la gala, la cual sirve para presentar y ahondar la dinámica, la personalidad, la motivación, y las raíces de Claire y Justine. El bouquet de personajes pincelados es exquisita y la sutil precisión del danés por cincelar las bellas imperfecciones de sus personajes es osada y absolutamente inolvidable.

Lo bueno: las imágenes del inicio serán posiblemente la escena más hermosa y mejor logradas del cine contemporáneo y, quizás, de éste siglo. Y Kirsten Dunst haciéndole el amor al planeta Melancholia.

Lo malo: en ocasiones Von Trier pierde la brújula en su intención de exponer a Dunst como una maniacodepresiva sin rumbo, en particular en la primera parte del filme.

No obstante, su connotación negativa perdura. Dada la muy característica ambivalencia de la cultura peruana, donde las dualidades e indefiniciones son típicas, el cholo tiene tantas significaciones como la jerga de un recluso de Lurigancho. En Estados Unidos existe reparos con respecto a negro, hoy llamados afro-americanos -un término políticamente correcto acuñado por Jesse Jackson-, por lo que se concluyó con que sólo los negros tienen derecho exclusivo sobre la palabra. Cual copyright idomático y racial.

Mientras aquí se usa cholo para describir lo populoso, lo chabacano, lo marginal, lo chicha -aunque no es de extrañarse, puesto que eso que llaman popular (que no es lo mismo que pop) es una síntesis de tantas influencias que equivale al pedigrí de un perro chusco-, se entiende que cholería es el grupo de cholos o la cultura de ellos, y cholear o “hacer el cholito” es una acción de injuriar, ridiculizar o engañar a alguien. Al mismo tiempo, se usa cholo como un term of endearment. No es raro escuchar “cholito lindo” o similares. Esta ambigüedad es lo peligroso, se dan demasiadas interpretaciones de acuerdo al contexto y al tono.

Si bien hay energúmenos sociales que cholean a un cholo siendo cholos ellos mismos, la raíz del problema no es esa discriminación sino la autodiscriminación. Porque hay generaciones de peruanos nacidos bajo la creencia y el ‘estigma’ impuesto de ser mestizos o cobrizos -calificativo humalista-; cholos, al final y al cabo. Habrá que superar primero el complejo de ser ‘oscurito’. Se tuvo mucho tiempo para hacerlo -unos 500 años aproximadamente- y es ridículo continuar con ese bache existencial ahora que el país entró a un nuevo siglo y el nuevo gobierno y la filosofía de la familia presidencial propugna una especie de superioridad racial y revaloración de la etnia netamente peruana de origen y base andina.

Serranos de corazón

Son los inmigrantes mismos quienes tienen el afán de desvincularse de su raíces. Es lamentable verlos adoptar manierismos con tal de encajar. Quizá no entiendan que sus intentos acaban por ser considerados como choleros por la misma gente que aspiran abrazar. Las colonias de inmigrantes en vez de ser una comunidad orgullosa (como el Little Italy en NYC o los irlandeses que tomaron por completo a Boston) viven avergonzados tratando desesperadamente por no parecer lo que son. Siempre habrán racistas que los señalen, pero como reza el cliché “el cambio empieza por uno mismo”. ¿No es lo que suelen decir los idealistas más optimistas?

Alguna vez conversando con una amiga de Pucallpa hice una comparación entre selváticos, costeños y serranos (las tres regiones naturales que nos enseñaron en la primaria). Un tercero se ofendió porque utilicé el sustantivo serrano -y no como un adjetivo despectivo como seguro pensó él-. De ése modo la palabra con S (serranos) también resultó ser un insulto. Si uno se siente denigrado por su cuna tiene una sola alternativa: Desaparecer. Es estúpido sentirse disminuido por su lugar de origen. Una cosa es sudaca y otra serrano. Mientras que el primero es un insulto per se a los sudamericanos en general, el otro sirve para designar a la gente nacida en los Andes; de la misma forma que andino, nativo, autóctono, indígena, y otros tantos.

Hay tantos complejos dentro en un peruano de a pie que eso sí da vergüenza. Los negros, o afro-americanos para los sensibles, de EE.UU. revalorizaron su cultura y raza con el Black is Beautiful en los 70’s. Hoy con los recursos mediáticos -internet, la TV, las redes sociales sobretodo- los cholos pueden hacer lo mismo.

Pero no confundirse, porque la technocumbia, la chicha, la pollada, etc. no es material cultural -pese que incluso empiezan a llamarles Cultura Viva por caviares, aspirantes arty, pretenciosos y filósofos de cafetín- sino un mestizaje mal llevado, una expresión mutada y viciada con el afán de acomodarse en otra realidad (la chicha siendo rock por huayno, la pollada una barbeque por pachamanca).

Pueda que te llamen cholo -cariñosa, peyorativa, figurativamente hablando-, es un recurso ofensivo que no desaparecerá. Quizá sea el calificativo más versátil que hay ya que significa tantas cosas a la vez. Pero si un día te dicen cholo y te disgustas, pues entonces te compadezco.

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